Crónicas del Rock

La icónica banda estadounidense System of a Down regresa a Sudamérica en 2025 con su explosiva gira “Wake Up!”, una serie de conciertos que promete sacudir a miles de fanáticos en la región. Bogotá será la primera parada de esta esperada gira, con un show programado para el próximo 24 de abril en el emblemático Estadio El Campín, marcando un regreso triunfal a Colombia luego de años de espera.

Bajo el nombre “Wake Up!”, tomado del potente verso inicial de su himno Chop Suey!, la banda liderada por Serj Tankian, Daron Malakian, Shavo Odadjian y John Dolmayan busca ofrecer una experiencia cargada de optimismo, energía y crítica social, características que siempre han definido su propuesta artística y musical.

Con una carrera de más de dos décadas, System of a Down se ha posicionado como una de las bandas más influyentes del rock alternativo y el metal, gracias a éxitos inmortales como Toxicity, B.Y.O.B., Aerials y Sugar. La combinación de sus letras incendiarias, su estilo único y su increíble presencia escénica convierte cada presentación en un espectáculo memorable.

Fechas de la gira "Wake Up!" en Sudamérica

System of a Down no solo llegará a Bogotá, sino que llevará su poderío musical a otras ciudades clave de la región:

• 24 de abril de 2025 – Bogotá, Colombia – Estadio El Campín
• 27 de abril de 2025 – Lima, Perú
• 30 de abril de 2025 – Santiago, Chile
• 3 de mayo de 2025 – Buenos Aires, Argentina
• 6 de mayo de 2025 – Curitiba, Brasil
• 8 de mayo de 2025 – Río de Janeiro, Brasil
• 10 de mayo de 2025 – São Paulo, Brasil

Una noche histórica para Bogotá

El Estadio El Campín será testigo de un show electrizante, donde los seguidores de SOAD podrán disfrutar de su repertorio lleno de furia, crítica social y la pasión que caracteriza a la banda. Desde su último paso por Sudamérica, la expectativa ha crecido y esta gira se perfila como uno de los eventos más importantes del 2025 para la música en vivo en Colombia.

El mensaje de “Wake Up!” no deja lugar a dudas: ¡Es hora de despertar! La banda invita a sus fanáticos a un espectáculo que será más que un concierto; será una declaración de fuerza, cambio y conexión a través del rock y el metal.

Entradas y más información

Las entradas para el concierto en Bogotá ya se encuentran a la venta en el portal tuboleta.com van desde 149000 + servicio hasta 649000 + servicio.

La cantante y compositora colombiana Laura Azul ha tenido un 2024 imparable lleno de noticias musicales y shows inimaginables. Comienza el año como artista invitada en la gira nacional Don Tetto Acústico en Medellín, participó en el Festival Iberoamericano de la Voz (hablada e interpretada) Viva Voz para grabar y cantar el jingle oficial en Bogotá, cantó junto a su agrupación Lilith en el Festival Rock al Parque 2024, retomó su proyecto Blakk Bone Band ahora banda de planta de 20 Mission Bar, además sigue consolidando sus shows tributos como los mas exitosos de la ciudad con numerosas presentaciones como tributos a Shakira Filarmónico, Divas del Pop y A grito herido, esperando a expandirse a otras ciudades del país. Ahora, para finalizar el año, la artista paisa presenta su nuevo sencillo '¿Quién soy?'.

'¿Quién soy?' de Laura Azul es el tercer capítulo de su EP 'Renacer' que consta de 4 capítulos que cuentan una historia hilada entre canciones, habla de un ser complejo que sufre una serie de rupturas y va mutando con el tiempo hasta renacer y reencontrarse a sí mismo. Es una historia cotidiana en la que cualquier persona puede verse sumergida e identificada.

El primer capítulo es 'La Mirada', el comienzo del caos, cuando las palabras ya no alcanzan está esa mirada que lo dice todo, que muestra la incomodidad de alguien que ya no se siente bien con los que lo rodean ni consigo mismo. El segundo capítulo es 'Respirar', una sensación levitativa donde el caos 'ya pasó', sale de ese entorno caótico y toma un respiro en medio de todo lo que tiene que asimilar, un respiro en medio de la bruma que no le permite ver dónde está su verdadero yo.

El tercer capítulo '¿Quién soy?', una canción que denota el caos nuevamente, luego del respiro y de evadir la realidad se encuentra con un ser que desconoce, no sabe en qué se ha convertido. Es una búsqueda de su verdadero yo entre tanto dolor, tomar los trozos y juntarlos para volver a ver el panorama completo.

El último capítulo será 'Fénix', el fin de la historia, un ser totalmente reconstruido y preparado para enfrentar lo que esté por venir. Un entendimiento total y consciente de todo el proceso que lo llevó a surgir de las cenizas, un ser que ama desde su parte más oscura hasta su más luminosa.

'¿Quién soy?' como cada uno de los capítulos de este EP viene cargado de mucho rock n' roll , cada uno en su esencia. Esta canción es una transición entre la calma y el caos, un viaje impetuoso e impredecible. Su inicio sutil lleva luego a lo más denso que puede alguien estar sintiendo en un momento de aparente calma. Siempre cargado de ese estilo noventero, mezclados perfectamente con armonías y melodías que contrastan esa crudeza del rock.

"Esta canción va dirigida a todos los que estén pasando por ese caos interno, donde esa luz intensa los está cegando e impidiendo ver dentro de sí mismos, esos seres que quieren reencontrarse y sanar tanto dolor, dolor que solo ellos saben y conocen desde sus cimientos. Es para los que se están preparando para brillar más que nunca, solo que aún no lo saben", comenta Laura Azul.

El video de '¿Quién soy?' se compone de planos medios y primeros planos. Es como si se le estuviera contando todo a una luz que no nos permite ver más allá, una luz que nos ciega y nos juzga. Es una lucha por reencontrarnos para responder la pregunta que queremos resolver. Esa luz que no nos permite ver y esa luz a la que le contamos todo, al final somos nosotros mismos.

La realización edición y materialización de la idea de Laura Azul estuvo a cargo de Yecely Muñoz. Alberto Mira Mora, Ana María Mira Mora y Marión Baamonde son parte de su equipo de trabajo y un engranaje necesario en la realización de esta producción.

"'¿Quién soy?' habla de esa gestión del dolor, de caos, de buscar en lo más oscuro que tenemos cada uno para luego entendernos como un todo. Con luz y sombras, con matices y con historias que nos marcan, historias que llevamos tatuadas en el ser, solo se puede convivir con ellas, pero nunca eliminar. Es lo que forja nuestro camino. Es una reconciliación. Todos somos seres de contrastes, debemos amarnos y reconciliarnos con nuestros procesos. Cuando creemos que retrocedemos, cuando creemos estar en lo más oscuro y no vemos esa salida cercana es justo cuando estamos preparándonos para salir disparados como un resorte; ese tirón hacia atrás es solo un impulso que tomamos, y nos disparamos con toda la fuerza solo cuando está todo calibrado, en la justa medida, cuando estamos en el punto exacto y sabemos a dónde debemos ir", enfatiza la artista.

El diseño de la portada fue de Marión Baamonde y su agencia Monē Studio | Creative Strategy & Brand Story, la fotografía estuvo a cargo de Alberto Mira Mora bajo el concepto de Laura Azul.

'¿Quién soy?' se grabó en 406 Recording Estudio a cargo de Sebastián de los Ríos. La masterización fue realizada por Sebastián Lopera. Los músicos que hicieron parte de esta canción fueron Andrés Salgado: guitarra principal, Andrés Correa: bajo y guitarras, Jorge Tobón: Batería y Camilo Arévalo: teclados. Es una composición de Laura Azul y la coproducción de Andrés Correa

Para el próximo año, Laura Azul publicará en su totalidad el EP 'Renacer' y lo lanzará con un concierto en vivo. Además, la banda Lilith cumplirá 25 años en 2025 y se espera mucho movimiento con esta celebración.

El Kintano y la Venerea acaba de publicar este mes de noviembre su nuevo disco la segunda parte de la trilogía “UN CONCEPTO CREADO PARA TIEMPOS DIFÍCILES” el “El Bucle infinito” nuevamente de la mano del productor Hans Kruger.

Compuesto por 10 canciones el disco refleja la buena forma musical en la que se encuentra el artista, para este disco El Kintano se ha rodeado de colaboraciones como el guitarrista Juan Saez Comet de la banda WhitePolo y su hermano Javier Polo en la voz en el corte Océanos Sangrientos.

Con la llegada de El Bucle Infinito, el zaragozano ha anunciado que próximamente lanzará varios remixes de algunas de sus canciones antes de lanzar los nuevos singles de la que será la tercera parte de la trilogía llamada “Mundo Acido” y que está prevista para finales de 2025.

2024 fue un año bastante movido para la banda de indie rock brasilera Atalhos, quien recorrió su país con shows en Sao Paulo, Brasilia, Goiania, entre otras ciudades, finalizando la fase del disco anterior, A Tentação do Fracasso, responsable de una gira mundial en los últimos dos años con más de 50 shows incluyendo festivales en los Estados Unidos, presentaciones en Europa, Argentina y otros países de Latinoamérica. Ahora, para cerrar el año e iniciar un nuevo ciclo, el grupo conformado por Gabriel Soares y Conrado Passarelli estrena 'Ayer morí', single que abre camino hacia el quinto disco de Atalhos que llegará en el primer semestre de 2025.

'Ayer morí' es una canción con atmósfera nostálgica, tiene un ritmo evocador de la drum machine y acordes melódicos de la guitarra que se impregnan en una letra cantada en portugués y español, que desemboca en un torrente de guitarras distorsionadas y batería transformadora. Habla de un término de relacionamiento, del enfrentamiento al fin del amor y de la transformación para seguir la vida después del amor. El sencillo aborda temáticas del existencialismo, el absurdo de la vida, las rupturas y especialmente de las transformaciones.

"'Ayer morí' está inspirada en la vida real, en los términos de relaciones, en las rupturas y las dificultades de mantener el amor en situaciones límites. Va dirigida a todos los que han enfrentado situaciones de rupturas, de desamor y que, de alguna manera, lograron encontrar la transformación necesaria para seguir adelante. Sí existe vida después de una gran ruptura, lo importante no son los finales de las cosas y de las relaciones, sino la travesía", cuenta Atalhos.

La canción explora sonidos variados, desde el beat electrónico presente en la drum machine, la presencia fuerte de la guitarra acústica, hasta llegar en la segunda parte a guitarras distorsionadas y fuertes. Es un tema de indie rock, pero que también flirtea con la atmósfera del rock de los años 90, siempre aliada a elementos contemporáneos que representan una frescura del sonido. El track fue grabado y mezclado en Sao Paulo en el estudio Space Blues, reconocido por haber ganado ya 3 Grammys Latino, y fue masterizada en Suecia.

"Esperamos que la canción refuerce la importancia de Atalhos en la escena indie de Brasil, donde la banda es una de las principales protagonistas, además de expandir el conocimiento en países latinoamericanos, por ejemplo, Argentina, país donde Atalhos ya se presentó varias veces y tiene featurings con artistas locales como El Príncipe Idiota y Delfina Campos", agrega el dúo.

El videoclip de 'Ayer morí' fue grabado en Sao Paulo y está dirigido por el dúo Cinza. Tiene una temática en blanco y negro que revela los bastidores del estudio cinematográfico donde el video es grabado, con Gabriel (vocalista) llegando en su auto para juntarse con la banda que lo espera ya dentro del estudio. El clip tiene una ventana 4:3 inspirada en los videoclips de los años 90.

La portada del sencillo se enfoca en Gabriel y Conrado tocando en vivo dentro de un estudio de cine.

Es una canción que amerita ser escuchada en momentos de reflexión en donde se pueda realmente conectarse con la atmósfera que propone la canción.

'Ayer morí' estará presente en el próximo disco de Atalhos, el quinto álbum de su historia, y que contará con una gira mundial que iniciará en Estados Unidos en marzo de 2025. El dúo publicará dos sencillos más que anticiparán el lanzamiento completo del nuevo disco que llegará a las plataformas y a las tiendas en formato vinilo en mayo de 2025.

‘Believing to See’ se titula el primer single del debut discográfico de Intrascendence, banda de Santiago de Chile que con este hito inicia su camino hacia lo más alto del metal progresivo. Altas ambiciones basadas en el trabajo profesional que han realizado, cuidando cada detalle para lograr un resultado que reconozca la calidad musical y la experiencia completa que propone el quinteto, tanto en lo lírico y artístico, como en la puesta en escena inmersiva de sus futuras presentaciones en vivo.

“Con esta canción comienza el viaje hacia las profundidades de la conciencia del personaje que protagoniza la historia del álbum. Aquí desbloquea atisbos de entendimiento sobre su percepción y aprende de sus cuestionamientos internos y emocionales, logrando un estado de conciencia que le permite darse cuenta de que, si es cuidadoso en donde pone su atención, será capaz de crear su realidad a voluntad y ‘creer para ver”, comenta el cantante, Felipe Reyes.

El videoclip fue realizado por OnStage Producciones, bajo la dirección Elías Hernández y la coproducción de la banda. “Intentamos visibilizar la desconexión que tenemos los seres humanos con nuestros pares. En el camino hacia el despertar, somos acompañados por la soberbia, arrogancia y apatía, pero el universo y la sincronía se encargan de darnos lecciones de humildad y prestar atención a lo esencial”, agrega el guitarrista y bajista, Rodrigo del Canto.

La banda se completa con Omar Alvear en guitarra, Manuel Arriaza en teclados y Martín Álvarez en batería (sesionista), todos protagonistas del disco homónimo de Intrascendence que será la secuela del primer single que liberaron en 2022, titulado ‘Beyond A Decaying World’. Para este nuevo trabajo confiaron la producción y mezcla de Franco Gabelo, y la masterización a Pancho Arenas. El arte del disco fue creado por el artista visual Camilo Valdés, en óleo digital.

El listado de canciones del disco debut es el siguiente:

1. Believing to See
2. Stones 
3. Ostracism 
4. Self Blinded 
5. Sintergy 
6. Strength 
7. Ascend to Infinity

Conoce más sobre Intrascendence en sus redes sociales: @intrascendence_official (Instagram), Intrascendence Band (Facebook), Intrascendence Official (Youtube), Spotify y todas las plataformas digitales.

La banda brasileña Insanidade regresa con fuerza al panorama musical con el estreno del video de "Get Out of My Way", el primer sencillo de su cuarto álbum de estudio, "Enough to Be a Loser". Este lanzamiento marca un paso significativo en la trayectoria de la banda, consolidando su lugar en la escena del Hard Rock y Heavy Metal.

Un Video Cinematográfico y Post-Apocalíptico

Dirigido por Daniel Ete y editado por Rodrigo Fernandes, el video de "Get Out of My Way" transporta a los espectadores a una caótica versión de Los Ángeles de 1984, una época donde el Hard Rock, las fiestas y la cultura desafiaban todas las reglas. La narrativa del video es un homenaje a los excesos de esa era, llevando a los miembros de la banda en un viaje alocado y post-apocalíptico por una ciudad habitada por versiones zombificadas de íconos como Motley Crue, Ratt, y hasta el mismísimo Terminator.

El Poder de "Enough to Be a Loser"

Lanzado en 2024, "Enough to Be a Loser" es el cuarto trabajo de estudio de Insanidade y ha sido descrito como su álbum más pesado hasta la fecha. Influenciado por gigantes como Motörhead, AC/DC, Guns N' Roses, Motley Crue y The Hellacopters, el disco combina la energía cruda del Hard Rock y Heavy Metal con un sonido refinado y lleno de técnica.

El álbum incluye nueve canciones, ocho originales y una versión del clásico "Looks That Kill" de Motley Crue. Con riffs potentes y un espíritu rebelde, este álbum promete conquistar a los amantes del rock más enérgico.

Formación Actual de Insanidade

La banda, originaria de Goiás, está formada por:

• Lucas Tamandaré: Voz
• Luis Maldonalle: Guitarra
• Gustavo Vásquez: Bajo
• Rodrigo Miranda: Batería

Juntos, han logrado capturar la esencia del rock’n’roll más visceral en un álbum que ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Dónde Escuchar y Ver Más de Insanidade

Disfruta de "Enough to Be a Loser" y el video de "Get Out of My Way", ambos ya disponibles en streaming y plataformas digitales. Este lanzamiento promete posicionar a Insanidade como una de las bandas más emocionantes del Hard Rock actual.

A lo largo de 2024, la banda de punk rock de Ipiales, Nariño, Isla de Perros ha demostrado un compromiso constante con su evolución musical, realizando dos lanzamientos significativos que refuerzan su identidad sonora y su presencia en la escena. El primero de estos trabajos es el álbum 'E.C.O'., una recopilación vibrante que captura la energía y la esencia del sonido en vivo de la banda, mostrando la intensidad de sus presentaciones en directo y la conexión única con su público. Este lanzamiento resalta la versatilidad del grupo y su capacidad para trasladar su fuerza y autenticidad del escenario al disco.

El segundo proyecto que lanza este año la banda colombiana es el EP 'MOLOTOV', un trabajo de estudio que refleja la madurez musical y la experimentación del grupo. Con un enfoque más pulido y elaborado, 'MOLOTOV' presenta nuevas facetas del sonido de Isla de Perros, llevando su propuesta a nuevas alturas y manteniendo su esencia rude boy cruda y directa.

Ambos lanzamientos evidencian la continuidad y el crecimiento de Isla de Perros, consolidándose como una banda que no solo mantiene su autenticidad, sino que también sigue explorando nuevos caminos dentro de su estilo musical. Con 'E.C.O.' y 'MOLOTOV', la banda se reafirma como una propuesta fresca y dinámica dentro del panorama musical del país, demostrando que, a pesar de la experimentación, nunca pierde de vista su identidad única.

'MOLOTOV' de Isla de Perros nace de manera orgánica durante el proceso de grabación de su primer álbum. A medida que la banda avanzaba en la creación de su música, se fueron sumando nuevas ideas y perspectivas sobre su propio sonido, lo que llevó a la gestación de este proyecto paralelo. Durante esas sesiones de estudio, la banda empezó a experimentar con nuevas influencias y a profundizar en su identidad musical, lo que dio como resultado un trabajo más crudo, directo y lleno de energía, que reflejaba la madurez adquirida durante el proceso creativo.

"'MOLOTOV' es una reflexión crítica sobre la realidad social del país. El EP aborda temáticas profundas relacionadas con las clases obreras, poniendo especial énfasis en momentos de tensión social como el paro nacional y las luchas estudiantiles. Cada tema del EP se convierte en un recordatorio para el oyente, una llamada de atención sobre las injusticias sociales y las desigualdades que persisten en el día a día. A través de sus letras y su sonido potente, MOLOTOV ofrece una visión de resistencia, rebeldía y solidaridad, poniendo al descubierto las problemáticas que afectan a los sectores más vulnerables de la sociedad", comenta el grupo.

Es una obra cargada de mensaje y acción, que no solo ofrece una reflexión sobre el contexto social, sino que también impulsa a la acción. Isla de Perros captura la furia y la pasión de aquellos que luchan por un cambio, convirtiendo 'MOLOTOV' en un manifiesto sonoro que invita al oyente a tomar conciencia de las luchas que se libran en las calles, en las universidades y en las fábricas del país.

En este EP Isla de Perros hace una fusión explosiva de géneros que reflejan la diversidad y la energía del sonido del grupo. Entre sus influencias predominantes se encuentran el punk, el rock duro y el hardcore, estilos que se combinan con la fuerza y la crudeza que caracterizan a la banda. A esta base sólida de guitarras intensas y ritmos imponentes, Isla de Perros incorpora elementos de cumbia y ska, creando una mezcla única que no solo impulsa el dinamismo de sus composiciones, sino que también añade una capa de sabor y ritmos bailables. Este crisol de sonidos refleja la versatilidad del grupo y su capacidad para mezclar la agresividad de los géneros más duros con la frescura y la espontaneidad de ritmos más populares, creando un EP que es tanto enérgico como impredecible.

'Escapar', primera canción del EP, surge de la necesidad del grupo de experimentar con sonidos más rápidos y agresivos, un paso hacia una sonoridad más cruda y directa que refleja la furia contenida de su mensaje. Con una base punk potente y acelerada, la canción se convierte en un grito urgente de protesta, donde la energía de las guitarras y la velocidad de los riffs capturan perfectamente el sentimiento de desesperación y lucha. La letra, cargada de rabia y desencanto, expone la frustración de las clases obreras frente a las desigualdades sociales, especialmente la brecha con las clases más adineradas del país. A través de versos directos y confrontativos, 'Escapar' aborda la sensación de impotencia ante un sistema que margina a quienes más lo necesitan, reflejando la falta de oportunidades y la constante lucha por alcanzar una vida mejor. La canción, además invita al oyente a escapar de la opresión y luchar por un cambio real.

El segundo tema del EP es 'Primera línea', una canción que surge de la experimentación de la banda con sonidos más cercanos al rocksteady, reggae, ska y cumbia, fusionando estos géneros con su característico estilo de ska punk. La canción busca un acercamiento más regional y tradicional con el oyente, empleando ritmos pegajosos y una base rítmica bailable que evoca la esencia de las músicas populares latinoamericanas. Sin embargo, lo que realmente distingue la canción es su carga emocional y política. A través de sus letras, la banda rinde homenaje y recuerda a los estudiantes desaparecidos, violentados y maltratados durante los estallidos sociales en Colombia, en un contexto de represión y lucha por los derechos humanos. Con su sonido fresco, la canción se convierte en un vehículo de memoria y resistencia, llamando a la reflexión sobre la violencia sistemática que ha marcado a la juventud y las clases populares en el país. 'Primera línea' no solo es un homenaje a las víctimas sino también un grito de justicia, buscando conectar con la identidad y la lucha de los pueblos latinoamericanos a través de una música que invita a la reflexión y al baile.

"El EP es una obra diseñada para ser escuchada en cualquier momento del día, siempre brindando un impulso de energía cuando más se necesita. Su mezcla de punk, rock duro, hardcore, ska y cumbia crea una atmósfera vibrante que no solo enciende el ánimo, sino que también motiva a seguir adelante, especialmente en momentos de lucha y resistencia. Cada canción está impregnada de esa energía cruda y desafiante que invita a no rendirse, a seguir peleando por lo que es justo. Es un trabajo hecho por gente del barrio, para gente del barrio; un reflejo de las vivencias y desafíos de quienes, a pesar de las adversidades, siguen de pie. Es un llamado a la acción, un recordatorio de que la música también puede ser una herramienta de empoderamiento, un compañero en la lucha diaria", enfatiza la agrupación.

La portada del EP presenta una composición de elementos caricaturescos en un estilo de ilustración digital, con colores vivos donde se destacan personajes antropomorfos, mezclados con personajes humanos y otros elementos surrealistas. El concepto representa una sociedad caótica, criticando el estado de la sociedad actual, perros armados que representan figuras de poder y autoridad corrupta, mientras que los demás elementos representan la diversidad y la anarquía, el ojo gigante representa un símbolo de vigilancia y también de una presencia omnisciente que observa el caos, el escenario urbano representa un contexto callejero y marginal típico de los entornos de lucha social. La historia de la imagen narra un momento congelado en medio de una revuelta urbana, la banda representa la música como forma de resistencia, perros con trajes policiales actúan como antagonistas representando las fuerzas represivas, los demás personajes interactúan entre ellos con una actitud despreocupada con lo que sucede alrededor, el elemento a destacar es la mezcla de seres humanos y figuras surreales, una crítica a lo absurdo de las estructuras sociales actuales.

"Con este lanzamiento esperamos generar un impacto significativo tanto en el público como en el panorama musical. Al ser un EP cargado de mensajes sociales y políticos, especialmente enfocado en las luchas de las clases obreras y los estallidos sociales, la banda busca despertar la conciencia de sus oyentes y fomentar un sentido de unidad y resistencia. El impacto esperado es doble: primero, en un nivel emocional y simbólico, MOLOTOV quiere resonar con las personas que se sienten identificadas con las injusticias y desigualdades que se abordan en sus letras, especialmente aquellos del barrio y sectores populares. La banda quiere que este EP sirva como un grito de lucha, un recordatorio de la fuerza colectiva para enfrentar la adversidad, además, la banda aspira a conectar con un público más amplio, tanto en Colombia como en otras partes de América Latina, llevando su mensaje de resistencia y empoderamiento a diferentes comunidades", mencionan sus integrantes.

Para el 2025, Isla de Perros tiene en mente el lanzamiento de un nuevo álbum que promete ser una fusión vibrante de su sonido característico con influencias de la música tradicional del Pacífico. Este proyecto está siendo gestado en colaboración con grupos de la región, lo que aportará una riqueza sonora única y un acercamiento a las raíces culturales del país. En cuanto a sus presentaciones, la banda continuará respondiendo a invitaciones para festivales nacionales y eventos locales, llevando su enérgica propuesta musical a nuevos públicos. Además, el grupo se mantendrá fiel a su compromiso con la escena musical emergente, apoyando a nuevas bandas al ofrecerles espacio para mostrar sus proyectos, reafirmando su rol como catalizadores de la música independiente en Colombia. Con este enfoque, la banda no solo busca seguir creciendo, sino también fortalecer la comunidad musical y dar visibilidad a otras propuestas frescas y auténticas.

Hombres Cósmicos es un proyecto de electro rock colombiano influenciado por los sonidos de la música dance, el grunge y el deep house, crea un punto de encuentro entre la música electrónica y el rock alternativo.

Para la vieja escuela puede evocar sonidos reconocidos como Depeche Mode, Estados Alterados, Divagash, Moœnia, New Order e incluso el mismo Daft Punk, una fuerte influencias que se ve plasmada en su sonido actual.

Hombres Cósmicos da sus inicios en el año 2021 abriéndose paso en la escena Bogotana con una nueva propuesta sonora. Hombres Cósmicos en esta ocasión presenta su nuevo sencillo "No Quiero Fingir", con atmósferas fuertes, en su base sonoro y la manipulación de los teclados, acompañado de un fuerte bajo y la voz alta de su vocal, en el que expresa el sentimiento de frustración frente a una relación rota y tóxica, donde se convierte en apego y no en amor propio, hacia sí mismo. El sencillo fue lanzado el pasado 6 de noviembre, en todas las plataformas y en menos de un mes, orgánicamente, se ha destacado con buenas escuchas. Este sencillo producido en los estudios de Abril Records.

En este 2024, Hombres Cosmicos han lanzado 3 sencillos: Elementos, 24 de mayo; Dispuestos a Perder, 1 de marzo; No Quiero Fingir, 6 de noviembre.

La banda está conformada
Andrés Ojeda en la batería, Esteban García en la guitarra y voz; y Adrián García Bajo y Coro
 

Actualmente están realizando una gira promocional por la ciudad de Bogotá,
bajo el sello de Barba Negra Producciones.

La banda Aemaerth, conocida por su singular fusión de death metal técnico progresivo y elementos orquestales, ha lanzado su más reciente creación: "Sanguinarius Venenatus", un poderoso video lírico que ya está disponible en plataformas digitales. Este lanzamiento es una muestra del enfoque distintivo de la banda al combinar intrincadas composiciones musicales con narrativas mitológicas profundamente evocadoras.

La canción explora los misterios y simbolismos del antiguo misticismo sumerio, tejiendo una historia rica en detalles líricos y atmósferas sonoras únicas. Desde sus complejos riffs de guitarra hasta sus pasajes orquestales y voces dramáticas, "Sanguinarius Venenatus" encapsula el estilo característico de Aemaerth, llevándonos a un viaje sonoro a través de lo desconocido.

La banda, fundada en Bogotá en 2013 por el vocalista y letrista portugués Alex de Borba, ha evolucionado significativamente a lo largo de los años. Su visión siempre ha sido clara: combinar la intensidad del metal con una narrativa histórica y mitológica que transporta a los oyentes a mundos antiguos y misteriosos. Su actual alineación incluye a músicos de gran talento, como Mario Díaz en la guitarra líder, Edward Amaya en la guitarra rítmica y Lorena Angulo en el violín, cuya incorporación reciente promete enriquecer aún más las composiciones orquestales de la banda.

"Sanguinarius Venenatus", el segundo sencillo de Aemaerth, es una continuación de su aclamado debut "Serpents of Irkalla" y fue lanzado oficialmente como parte de la compilación "Azores & Metal Vol. #4", donde la banda reafirma su compromiso con la calidad artística y la innovación musical.

Para los amantes del metal que buscan algo más que música, Aemaerth ofrece una experiencia inmersiva que une lo épico, lo técnico y lo cultural en un todo cohesivo.